Uma noite para cantar junto: de “Campo Minado” a “Fim de Tarde com Você”, passando por “Sandina” e “Infinita Highway”, sem deixar de fora a tríade sagrada “Amigo Punk”, “Sob um Céu de Blues” e “Um Lugar do Caralho”. Nos últimos 50 anos, o rock gaúcho produziu muitos clássicos. Alguns dos mais memoráveis foram escolhidos para compor uma noite repleta de música e nostalgia, que, na noite do último domingo, dia 29 de maio, ecoaram por todo o Araújo Vianna.

Uma plateia tímida – mas que lotava o auditório – recebeu com muitos aplausos a Orquestra de Câmara da Ulbra e um quarteto vocal formado por Beatriz Domingues, Atos Flores, Débora Dreyer e Iuri Correa. Regida sob a batuta do maestro Tiago Flores, a Orquestra tocou 15 clássicos ao lado de grandes nomes da nossa música: Nei Lisboa, Jimi Joe, Wander Wildner, Jimi Joe, Pedro Veríssimo, Frank Jorge, Carlo Pianta, King Jim, Julia Barth, Tonho Crocco, Nei Van Soria, Marcio Petracco, Julio Reny, Edu K, Rafael Malenotti e Luciano Albo (que ficou responsável pela guitarra durante toda a noite).

Do IAPI ao Moinhos de Vento – onde ficava o Bafo de Bira, de Rafael Malenotti –, mas majoritariamente no Bom Fim, esses clássicos foram criados por jovens sedentos por viver de música. Considerado “a casa do rock gaúcho a partir da metade da década de 1980”, o bairro foi o berço dos artistas Nei Lisboa e Julio Reny, e das bandas DeFalla, Os Replicantes, TNT, Graforreia Xilarmônica, entre outras. Não à toa, essa celebração ocorrer no Araújo Vianna, localizado no centro do Parque Farroupilha, reforça o caráter simbólico da celebração: inaugurado em 1927 e tombado Patrimônio Histórico e Cultural do município, o Araújo foi e é palco de shows que marcaram e ainda marcarão a vida de muitas gerações. E esse simbolismo se fez presente durante a noite: todos os artistas que subiram para cantar com a Orquestra se mostravam muito emocionados por estarem ali.

Destaque para os arranjos belíssimos feitos por Iuri Corrêa (“Berlim Bom Fim” – talvez o melhor da noite), Alexandre Ostrowki (“Não me Mande Flores” – que também ficou sensacional!), Pedro Figueiredo (“Bebendo Vinho”), Rodrigo Bustamante (“Sob um Céu de Blues”), Arthur de Faria (“Amor e Morte”), Arthur Barbosa (“Fim da Tarde com Você”), e Daniel Wolff (“A Irmã do Doctor Robert”).

Enfim, um espetáculo para ficar na memória de todos os presentes.

Não vejo a hora de atravessar a Osvaldo Aranha e entrar no Parque Farroupilha para o próximo show.

Músicos no palco ao final do show (Todas as fotos por Gabriela Baum / Amora Imagem)

Eu queria ser amiga do Kamasi.

Aquela figura imponente, carismática, incrivelmente talentosa, que entrou a passos lentos no palco do Araújo Vianna. Eu queria muito ser amiga do Kamasi.

Foi com essa frase na cabeça que saí do auditório ontem, dia 26 de março, após o show de um dos artistas mais talentosos da nossa geração.

Kamasi Washington (Todas as fotos por Gabriela Baum / Amora Imagem)

Com uma banda extremamente envolvente e entrosada, o saxofonista californiano fez jus ao título de “embaixador do jazz” – nomeação que, pela sua expressão durante toda a noite, ele parece pouco se importar. O que Kamasi parece de fato se importar é com a música em si: a diversão, o improviso, a magia do jazz. Kamasi está presente o show inteiro; sorri para seus companheiros de banda, senta, circula, dá espaço para que os outros músicos tenham destaque. Acho incrível assistir a uma banda que se olha. Uma banda que se olha e sente que deve fazer. Uma banda que não faz um show protocolar, que não tenta nos convencer de que é uma banda foda. E, diga-se de passagem, que banda era aquela?! O mais absoluto deleite observar Kamasi, Miles Mosley, Dontae Winslow, Brandon Coleman, Antonio Austin, Ronald Bruner Jr e a ma-ra-vi-lho-sa Patrice Quinn juntos no palco.

Parido na encruzilhada afrodiaspórica que liga a África e as Américas, o jazz brinca com o rock, o funk, o gospel e o R&B. Kamasi, nesse novo cenário, traz em sua bagagem referências da manifestação artística nascida em New Orleans, mantendo um pé na cultura popular, mas, com o outro, invoca elementos da música pop contemporânea, elaborando sua própria concepção musical. O ritmo sincopado, o suingue, a psicodelia, a improvisação, a estrutura, a sincronia fora de sincronia, as melodias quebradas: inúmeros significados, várias possibilidades, tudo celebrando perfeitamente a harmonia da diferença.

No palco, assim como em seus álbuns, Kamasi aponta na direção da pluralização, priorizando as artes fronteiriças, conflituosas, fazendo um show que é um movimento, uma passagem. O público nem percebe se uma música tem um ou sete minutos, tamanha a imersão a que fomos conduzidos.

Seja em sua vestimenta ou em suas melodias, Kamasi faz uso de seu corpo-político e tem muito êxito ao referenciar a ancestralidade africana durante toda a sua performance. Mesmo que na maioria de suas canções não haja uma única letra, o viés político é presente. E quando há letra, como é o caso de “Fists of Fury”, isso fica ainda mais explícito ao falar de luta coletiva, de retomada de poder.

Mais do que um show, o que Kamasi proporcionou na noite de quinta-feira, no Araújo Vianna, foi uma experiência inesquecível e excepcional.

Eu queria ser amiga do Kamasi.

*Danilo Lucio

No final da tarde de domingo, dia 22 de maio, com ingressos esgotados, o Recife recebeu o terceiro show da turnê Bréa Extreme, com um line up composto por quatro bandas de som extremo. Um dos mais esperados da noite pelo público era justamente o show de abertura, da banda de death metal Crypta, composta por quatro musicistas mulheres que proporcionaram um instigante e ótimo show no seu primeiro show da nova turnê. Muitos fãs no local cantavam as músicas do Echoes Of The Soul, disco de estreia, lançado em 2021. Vale ressaltar que praticamente todo o estoque de souvenir da banda, como camiseta, CDs e adesivos se esgotou. Prova de uma banda que já nasceu grande.

O segundo show foi dos paulistanos do Nervochaos, que continuaram empolgando o público com seu thrash/death metal simples e bem executado. Durante praticamente todo o show, formou-se uma grande roda de pogo, com uma caótica organização, garantindo a diversão do público.

Na sequência, se apresentando pela primeira vez no Recife, ocorreu o show da lendária banda de black metal austríaca Belphegor. Com um repertório que passou por todos os discos da banda, a Belphegor fez um show muito bom. Destaque para a mixagem do som da banda para o público, que contou com uma dose de “grave” extra, para evidenciar a afinação mais baixa das guitarras e transpassando as sensações sombrias e pesadas que a sonoridade da banda executa.

Encerrando a noite de música extrema, os gaúchos do Krisiun. O trio, de fato, é melhor banda de death metal brasileira e a performance ao vivo evidencia isso, além de uma excelente interação com o público. O line up desta turnê foi montado para o público cativo e fã do metal extremo.

Fernanda Lira, da banda Crypta (Foto: Danilo Lucio)

Alguns pontos a melhorar: os shows ocorreram na casa de shows Estelita. A Crypta começou seu show com um atraso (infelizmente comum), mas a casa ainda estava com uma fila gigantesca do lado de fora, pois havia somente um único segurança na porta para conferir toda documentação exigida para entrada. Isso fez com que parte do público não conseguisse assistir ao show da banda de abertura – que a maioria estava lá para ver. Em função disso, muitas críticas foram feitas na hora do show, assim como nas redes sociais da casa. Outro problema foi que o monitor do palco do Moyses Kolesne, do Krisiun, parou de funcionar na parte final do show, fruto do superaquecimento do equipamento.

*Danilo Lucio é Mestrando em música pela UFPE, especialista em Gestão e Produção Cultural e bacharel em Comunicação Social – habilitação em Rádio e TV. Atua em pesquisas sobre produções audiovisuais e performance musical no thrash metal.

Meio bruxa, meio irônica, meio soturna, bem exibida, bem provocativa, bem melodramática: foi assim que Letrux subiu ao palco do Opinião, na última sexta-feira, dia 29, para apresentar Aos Prantos, seu mais recente álbum.

“Déjà-Vu Frenesi” foi o pontapé inicial na busca coletiva pelas conexões que poderiam ter esfriado durante o distanciamento social. Aviso: não esfriaram. Ou mais: ficaram ainda mais latentes, visto que o público gritava “Letícia! Letícia! Letícia!” antes mesmo da artista subir ao palco. Aos Prantos, lançado em 2020, parecia prever o momento de absoluta fragilidade que vivemos nos últimos dois anos. Um período de transição, de reflexão, de conexão com o que realmente importa.

Foto: Carol Govari

Aos Prantos é anos 80, pós-punk, eletrônico; mas também é samba e poesia. Não é um disco – e um show – de fossa, mas de introspecção, que, no palco, ao ser intercalado com faixas explosivas do Em Noite de Climão, garante um show que é a cara da vida: pranto, prazer, climão, gargalhada, sexo, angústia, suor, delírio solitário que, durante o espetáculo, vira um delírio coletivo. A troca foi abundante e constante: um público apaixonado, que recebeu resposta e foi saudado por estar ali presente. Letícia conversou muito, chamou Pedro Cassel para cantar “Merthiolate”, fez mágica, tocou teclado e contou com uma banda absurdamente foda para celebrar a noite.

Aos Prantos não é uma extensão de Em Noite de Climão e retrata outro momento da vida e da obra de Letícia. Isso não significa que sejam discos antagônicos, visto que a artista conseguiu fazer um roteiro onde as 18 canções apresentadas em Porto Alegre contassem uma história que pode ser dela, ser minha, ou ser tua: estamos vivos, sobrevivemos e, mesmo que o país não colabore, precisamos aproveitar até a última gota de lágrima, suor e gozo.

Não vejo outra forma de começar esse texto, senão com uma exposição: eu nunca fui ouvinte da Fresno. Até pensei em omitir esse dado, mas achei que seria desonesto da minha parte. Na infância/adolescência, fui cooptada pela vertente bagaceira & chinelona do rock produzido em Porto Alegre, então toda e qualquer manifestação musical diferente disso foi deliberadamente ignorada por mim. Mas isso não significa que eu não tenha acompanhado, como observadora, a história da banda: vi a Fresno surgir, sair de Porto Alegre, assinar com uma grande gravadora e liderar uma subcultura que “voltou” (embora, para os fãs, nunca tenha ido a lugar algum) à tona: o emo.

Mesmo sem ser ouvinte, sempre achei a Fresno muito foda. Uma banda madura, com uma coerência identitária que não é abalada pela troca de sonoridade. Muito pelo contrário: a coerência é reforçada a cada lançamento, onde a banda se mostra cada vez mais livre de amarras sonoras e escreve sua própria narrativa na história da música nacional. E essa liberdade aparece não só na parte sonora, mas também na composição das letras – e no salto que a banda deu nos últimos discos, em especial no sua alegria foi cancelada e no excelente Vou Ter Que Me Virar (sim, esse eu ouvi várias vezes) –, que passou pelo palco do Araújo Vianna, em Porto Alegre, no dia 23 de abril.

Foto: Carol Govari

A banda estreou sua nova turnê na cidade onde tudo começou, se apresentando para um auditório repleto de fãs, que fazem parte dessa comunidade há mais de duas décadas, e também para novos espectadores (o/) que, desconfio, saíram do Araújo muito bem impressionados. A Fresno fez um show pesado, político, profundo e poético. Chorou a morte de um amigo (o show foi dedicado a Rafael Kent), saudou a vida de todos que ali estavam após dois anos de pandemia. Intercalou os maiores hits com canções do novo disco, mesclando baladas românticas com punk rock e música eletrônica. Falou que eles odeiam gente como nós e que em cada gota dessa chuva (que, inclusive, cai agora sobre Porto Alegre) você vai sentir minhas lágrimas. Retratou uma geração que tem que se virar, que é a maré viva, e que só com muita terapia consegue (ou ao menos tenta) espantar os fantasmas dessas malditas casas assombradas. Acho que todo show tem uma certa dimensão terapêutica, mas, honestamente, eu nunca tinha visto um público tão expressivo e entregue. O show da Fresno não tem uma dimensão terapêutica, ele é a própria terapia: o choro de soluçar, a lágrima que escorre no canto do olho, o grito, o sorriso, a mão batendo no peito; tudo rumo à uma libertação, mas não sem antes passar pelos tortuosos caminhos que se chocam dentro de nós.

Arrisco dizer – mesmo sem muita propriedade – que a Fresno está em um dos melhores momentos da carreira. Quiçá no melhor momento da carreira NO MUNDO – como tudo que nasceu em Porto Alegre. Veja o show e me diga se eu estou errada, por favor. Uma banda conectada, sólida, com uma transparência e experimentação musical que agrada não só aos antigos fãs, mas também atrai novos admiradores; seja por causa do posicionamento político, seja pela particularidade que os diferencia da maioria das bandas do atual cenário (mainstream) do rock nacional, seja pelas cada-vez-melhores composições do Lucas, que faz um duo mano-a-mano com o maior hitmaker da música pop brasileira na maravilhosa “Já Faz Tanto Tempo”, um dos pontos mais altos do show.

Sei que os ingressos estão esgotados na maioria dos lugares, mas, se tu puder, arrume um ingresso e presencie esse momento da banda. Garanto que tu não vai te arrepender.

Bom, acho que esse texto é bem claro: em 2022, eu virei fã da Fresno.